Patti Smith: GLORIA: IN EXCELSIS DEO / GLORIA

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!   

Patti Smith abre su álbum de debut Horses de1975 con una muy libre versión del Gloria de los Them de Van Morrison... y dicen que anticipa el punk. Pero es un punk que combina la urgencia del nuevo movimiento del rock con una visión lírica que remite tanto a Rimbaud como a Jim Morrison, pero llevada un paso más allá, siendo mucho más directa, mucho más desafiante. Tras empezar con una parte que llama In Excelsis Deo, con un ya legendario verso inicial, acompañada solo por el piano y recitar más que cantar toda una declaración de principios sobre su actitud ante la vida, el resto de su grupo se va uniendo poco a poco para desgranar el Gloria de Van Morrison, deletreado del nombre en el estribillo incluído, pero más escupiendo la melodía que cantándola, con una letra mucho más abierta en su descripción de relaciones sexuales... 

Bob Dylan: MR. TAMBOURINE MAN

  Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!   

Cuando salió, primero solo en Japón y luego en el resto del mundo, el doble álbum que recogía dos de los conciertos de Bob Dylan en el Budokan de Tokio entre finales de febrero y comienzos de marzo de 1978, casi toda la crítica y gran parte de los fans lo atacaron inmisericordemente porque, según ellos, las versiones de los clásicos dylanianos en él presentes eran vestidos de un innecesario ornamento, quedándose en reflejos muy suavizados de los originales....

 ... y sin embargo...

The Band: THE WEIGHT

 Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!   

Al pueblo de Nazareth, en Pennsylvania, llega un cansado viajero con instrucciones de una tal Miss Fanny para saludar a un grupo de gente; en principio no es bien recibido, y aún así varios habitantes del pueblo le piden ayuda o favores que él graciosamente concede... pero al final esta entrega desinteresada a los demás acaba abrumándole y convirtiéndose en una carga... 

Brenda Fassie: BLACK PRESIDENT

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!   

Brenda Fassie es considerada una de las más importantes cantantes  africanas, apodada la "Madonna de los barrios segregados" por su actitud rebelde y provocadora, en un estilo muy similar al de la cantante estadounidense, y por el éxito que tuvieron sus canciones entre la población negra sudafricana en los últimos años del apartheid. Su música es una mezcla de la tradición musical zulú con sonidos caribeños y el house y el hip hop, un estilo llamado kwaito, y en sus letras protestaba contra el régimen racista en su país y describía la situación de la población segregada. Bisexual y activista LGTBI en uno de los peores momentos históricos para serlo, y con problemas derivados de su drogadicción, lenguaraz, provocativa y desafiante, siempre fue una mujer contra corriente. Su éxito fue masivo, vendiendo a mediados de los noventa más de medio millón de discos, y su fallecimiento en 2004, cerca de cumplir los cuarenta años, fue un shock.

Enrique del Teso en el diario Nortes 25-4-2026: "Religión, nación, Confucio, legalidad internacional"

 Citas del artículo de Enrique del Teso en el periódico Nortes, 18-4-2026

"Puede parecer un chiste que Vox diga que la sanidad pública es una inmoralidad para luego prometer prioridad a los españoles en la sanidad pública; o que diga que las ayudas sociales son paguitas que cronifican la pobreza y luego reclamar que los españoles tengan prioridad para las ayudas sociales. Pero la autoestima no es un tema menor. Te dice que no tendrás médico pero que, como español, vas por delante de Mohamed, y no importa lo tonto que seas, de repente te sientes alguien."

Radio Futura: EL CANTO DEL GALLO

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!   

Hay canciones que están hechas para que desde un primer momento nos enamoremos de ellas.

"El canto del gallo" es una de esas canciones. Con Radio Futura asumiendo ya plenamente en 1987 su fascinación por los ritmos caribeños, Santiago Auserón cuenta la maravillosa historia del músico ambulante que llega a un pueblo para tocar en la feria y se encuentra con un mundo rural al que retrata y observa con escepticismo... por no decir con mucha retranca... pero con un lirismo tremendamente evocador. 

Una peli al día (2026-04-24): UNA GALLINA EN EL VIENTO (Yasujirō Ozu, 1948) 8/10

Images © Shochiku Co., Ltd and BFI

“Una gallina en el viento” (Kaze no naka no mendori, Yasujirō Ozu, 1948) es una nueva joya que descubro en mi exploración de la filmografía del director japonés, una nueva constatación de que estoy descubriendo un cineasta capaz de transcender lo personal que tiene el costumbrismo a una lectura global, al tiempo que hace gala de un domino de textos y aspecto visual que influye poderosamente en una percepción empática de sus personajes y temas. 

Sin embargo, me sorprende leer en análisis variados que esta es una película en el mejor de los casos ignorada y en el peor claramente despreciada por espectadores y crítica afines al director tokiota, que la ven como una rareza en su filmografía. Y aunque incluso el propio Ozu habló de ella con poco aprecio, y sí que estoy dispuesto a conceder que tiene algunos elementos ausentes en sus films anteriores que he visto, no puedo evitar mantener mi sorpresa ante las reacciones negativas porque es un trabajo excelente y, en la esencia de su historia y la realización visual, típico de su autor… 

Crosby, Stills, Nash & Young: TEACH YOUR CHILDREN

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!   

Tú, que estás en la carretera, 

debes tener un código de vida 

y así llegar a ser tú mismo 

porque el pasado es tan sólo un adiós. 

 

Educa bien a tus hijos, 

el infierno de su padre pasó lentamente.

Críales con tus sueños 

y el que escojan será aquel por el que te recuerden.

 Precioso clip rememorando las protestas y luchas por los derechos civiles y contra la guerra de los años sesenta. Tristemente nos sigue haciendo falta recordar esas luchas... 

Una peli al día (2026-04-23): CONFESIONES DE UN ESPÍA NAZI (Anatole Litvak, 1939) 7/10

All images © Warner Bros

 Entre ese grupo de películas que, más allá de su calidad cinematográfica, calificamos como “necesarias” por su denuncia de injusticias, condena a dictaduras de todo tipo o con objetivo de despertar conciencias, “Confesiones de un espía nazi” (Confessions of a Nazi Spy, Anatole Litvak, 1939) ocupa un lugar preferente por ser la primera hecha por un gran estudio alertando contra el nazismo. Producida por la Warner Bros, a instancias de los hermanos propietarios de la compañía, en especial Jack, de origen judío y convencido antifascista, supuso un gran riesgo en su momento. 

Primero, por la dudosa comercialidad del muy serio tema, con un público renuente a acudir a las salas de cine a otra cosa que no fuera evadirse; segundo, por interferir con la política de los Estados Unidos, que abogaba por la absoluta neutralidad ante el conflicto que se avecinaba en Europa; y tercero, por desafiar al Código Hays, nada amigo de contenidos en las películas que pudieran considerar “subversivos”: la película del año anterior “Bloqueo”, dirigida por William Dieterle y protagonizada por Henry Fonda y Madeleine Carroll, una historia de amor entre dos personas de bandos opuestos durante una guerra civil en un exótico y lejano país, tuvo que eliminar toda referencia a la Guerra Civil Española, a la que claramente se refería, para sortear dicho Código… y aún así fue denunciada como propaganda marxista por grupos ultraconservadores y vetada en algunas ciudades.

Aretha Franklin: JUMPIN' JACK FLASH

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!   

La película  era flojita y solo la salvaba el carisma de Whoopi Goldberg, pero... la versión de Lady Soul de la canción stoniana es sencillamente maravillosa... como no podía ser menos. Y la presencia de la propia Whoopi, Keith y Woody le dan un toque muy entrañable al clip.

Nací en el fuego cruzado de un huracán 

y aullé a mi madre bajo la lluvia llevada por el viento

 

Pero ahora da igual, de hecho, es una pasada.

Pero da igual, soy el saltarín Jack Flash 

y es una auténtica pasada.

 

Me crió una arpía barbuda y desdentada, 

y fui a la escuela con una correa amarrada a la espalda.

 

Pero ahora da igual, de hecho, es una pasada.

Pero da igual, soy el saltarín Jack Flash 

y es una auténtica pasada.

 

 

Una peli al día (2026-04-22): ESTUDIO DE TERROR (James HIll, 1965) 7/10

Images © Sony Pictures Entertainment / Conan Doyle Estate 

No es “Estudio de terror” (A Study in Terror, James Hill, 1965) el primer pastiche en el que se encuentran Sherlock Holmes y Jack el destripador, habiendo ya una tradición de novelas y relatos cortos anterior, pero la peli sí que puede alardear de ser la primera ficción en imagen completamente dedicada a la reunión de los dos mitos (al menos con su nombre), y que tras ella llegaría catorce años más tarde el film “Asesinato por decreto”, del que ya hemos hablado y con el que es inevitable la comparación… 

La peli surge del interés particular del productor estadounidense Herman Cohen y el británico Tony Tenser, hasta ese momento especialistas el primero en series B destinadas al público juvenil como “Yo fui un Frankenstein adolescente”, y el segundo en dramas de fuerte contenido sexual, cuando no directamente proto-eróticos. Ambos se mantendrían en esos tipos de películas hasta el final de su carrera a mediados de los setenta, aunque hay que destacar que Tenser coproduciría “Repulsión” y “Callejón sin salida” de Polanski. Cohen habría conocido en Inglaterra a un representante legal de la familia de Conan Doyle, mostrando aquel su interés por el proyecto, y consiguiendo la aprobación del hijo de Sir Arthur, Adrian, para que, a través de la productora Sir Nigel Films, propiedad de los herederos, y con la distribución en Estados Unidos por Columbia Pictures, la peli saliera adelante.

Toto: ST. GEORGE AND THE DRAGON

   Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

¿Puede usted decirme donde puedo encontrar a la Hidra?  
¿Tiene un rostro familiar?  
¿Vive aún en la Séptima Avenida 
con la princesa vestida de encaje? 

 

¿Sabe que soy un soldado de fortuna  
y no una víctima de las circunstancias? 
Nos echamos a suertes su punto vulnerable  
y ahora su destino está sellado con mi lanza.

 

Por cómo estás mirando puedo decir   
que nunca has visto al hombre con nada que decir.  
Por cómo estás mirando puedo decir   
que mejor tienes cuidado: San Jorge está de camino.

 

 Nunca me ha gustado el mito del tipo matadragones, la verdad... por mucho que uno porte su nombre.

 

Pero esta canción me gusta. Y mucho. 

 

 

 

Una peli al día (2026-04-21): MEDITERRÁNEO (Gabriele Salvatores, 1991) 6/10

Images in the post © Pentafilm, A.M.A. Film SRL, Mediaset

Hay películas que están hechas para complacer al público. No, no solo para gustar, que ese es el objetivo principal de la industria cinematográfica, que la gente aprecie una película porque es bonita, o porque mete miedo, o porque es como subirse a una montaña rusa, o porque da para pensar y reflexionar, o porque se aprende con ella… Hablo de complacer, de que el público las vea con la tranquilidad de que todo va bien, sin que se le moleste con mensajes negativos ni complicados y termine el visionado con una sonrisa de inmensa placidez. Hablo, claro está de las llamadas feelgood films.

“Mediterráneo” (Gabriele Salvatores, 1991) es una de estas. Es una película donde cada detalle está pensado para que sintamos calidez al verla, para que amemos a sus personajes, su concepto de la vida, el escenario en el que transcurre la historia… Es más, es un film pensado para ganar premios, para que su galardón no cree controversias; esto explicaría que ganara el Oscar a la Mejor Película Extranjera el año en el que entre las nominadas estaba “La linterna roja”, una peli a años luz en lo temático, técnico y artístico, una obra maestra que tuvo en su contra que para nada era complaciente, que planteaba una historia triste que invitaba a una reflexión sobre problemas no solo pasados sino contemporáneos. ¿Todo el mundo contento? No. Porque algunos, a pesar de verla con el mínimo agrado que se nos exige, no acabamos de apreciarla del todo.

Prince: I COULD NEVER TAKE THE PLACE OF YOUR MAN

  Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

 Ayer se cumplieron diez años sin Prince... 😪

Me dio mucha pena cuando me dijo 
con lágrimas en los ojos   
que él era todo lo que ella tenía y ahora ella quería morir.  
La abandonó con un bebé y otro por el camino  
y ella no podía dejar de llorar  
porque sabía que él se había ido para siempre.  
Me preguntó si podíamos enrollarnos 
y yo le dije, "Oh, cariño, ese es un callejón sin salida.  
Tú y yo sabemos que no nos bastaría." 

Y le dije, "Cielo, no pierdas el tiempo,  
sé lo que estás pensando,  
no quedarías contenta con un rollete de una sola noche   
y yo nunca podría sustituir a tu hombre". 

 

 

Rosalía: LA CHICA YE-YÉ

 Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Para empezar, dos de mosqueo a quien pensó que este envío iba de la Rosalía actual....

La "otra" Rosalía fue una de las pioneras del pop y rock femenino en España desde su debut en 1960, terminando por ser desde mediados de la década la emblemática chica ye-yé del país, recogiendo la influencia de ese estilo musical iniciado y bautizado en Francia.

Una peli al día (2026-04-20): LAS ZAPATILLAS ROJAS (Michael Powell y Emeric Pressburger, 1948) 10/10

All the images in the post © ITV Studios Global Entertainment

Muy pocas películas han sido capaces de hacer uso de la interacción entre realidad y fantasía para contar una historia sobre la identidad y pasiones humanas como “Las zapatillas rojas” (The Red Shoes, Michael Powell y Emeric Pressburger, 1948). Si en toda su filmografía los Arqueros se distinguieron por presentar lo real como si de una ensoñación fantástica se tratara, y lo fantástico como algo normal, con esta película llegan al culmen de su estilo y mezclan los dos mundos, contando la misma historia desde las dos perspectivas y con ello difuminando las fronteras entre ellas. El resultado es no solo su mejor film sino una de las películas claves de la historia del Cine, cuya impronta se deja ver en el desarrollo del musical desde ese momento, como bien pueden dar fe obras como “Cantando bajo la lluvia”, “Un americano en París”, “New York, New York” o “La La Land”.

Una peli al día (2026-04-19): LA HUIDA (Sam Peckinpah, 1972) 7/10

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“La huida” (The Getaway, Sam Peckinpah, 1972) es una de esas películas cuya condición mítica demasiadas veces sobrepasan la valoración que se pueda hacer de ellas. O dicho de una manera menos rimbombante: es una buena película, pero no una excelente película. Quizá esa condición de mito venga de la conjunción de dos estrellas, actor y director, que en aquel momento andaban en busca de un éxito para relanzar sus carreras, y a fe que lo consiguieron.

David Foster, antiguo publicista de estrellas como Steve McQueen, había debutado en 1971 como productor de “Los vividores”, de Robert Altman. Había comprado los derechos de la novela noir violenta (hardboiled) de Jim Thompson y se la propuso a McQueen. En principio le ofrecieron el proyecto a Peter Bodganovich, pero este, que en principio estuvo interesado, acabó haciendo “¿Qué me pasa, doctor?”, y entonces inmediatamente pensaron en Sam Peckinpah, con quien acababa de hacer “El rey del rodeo”, como director. Este aceptó sin pensarlo mucho, ya que había intentado llevar la novela al cine ocho años antes. 

Por tanto para Peckinpah “La huida”fue  un encargo… pero con mucha implicación emocional. Alguien me comentó una vez que es una película de Peckinpah que en ocasiones no parece suya. No estoy del todo de acuerdo. Es un film del productor Foster y la estrella McQueen (que, de hecho, se reservó el derecho del montaje final)… pero dirigido por Peckinpah. No es que se pueda decir del todo ese tópico de que “hizo suya la película”, porque si el proyecto hubiera sido del todo suyo la habría hecho de otra manera, pero… sin duda lleva su sello.

Neil Diamond: CRUNCHY GRANOLA SUITE

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Se me ha metido una canción entre ceja y ceja  
con una melodía pegadiza y todas las palabras rimando  

pero aunque no dice gran cosa, y no ofende,  
si la cantas en la escuela, puede que te expulsen  
sin saber de qué estas hablando 
porque creen que cultivas tu propia hierba. 

No tengo claro si Crunchy Granola Suite, canción de Neil Diamond en su álbum de 1971 Stones, es una burla de la vida sana y libre en California a finales de los sesenta y comienzos de los setenta, o de si es una promoción de la misma... pero lo que sí tengo claro es que es un pedazo de canción, compleja en su mezcla de melodías, su vivaz guitarra acústica, su uso del scat y con uno de los estribillos más sencillos y pegadizos (ti-ri-ri-ri-ri-riri-tiririrí) de la historia del rock, pop o lo que sea...  

Una peli al día (2026-04-18): EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS HERMANOS GRIMM (George Pal y Henry Levin, 1962) 6/10

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Ya me ha pasado en otras revisiones de películas que forman parte de mi infancia y adolescencia cinéfaga: la batalla entre mi visión actual de las mismas y el impacto que tuvieron en su momento. O sea, el poder de la nostalgia. No diré, como he leído no hace mucho en un artículo, que la nostalgia sea “una enfermedad que transforma los errores y horrores del pasado en recuerdos ingenuos”, definición que, aún con su buen fundamento, se me antoja exagerada… pero sí que es verdad que la nostalgia puede interferir para bien o para mal en la apreciación de una peli,  según que opinión, la presente o la pasada, acabe imperando.

Caso en cuestión: “El maravilloso mundo de los Hermanos Grimm” (The Wonderful World of the Brothers Grimm, George Pal y Henry Levin, 1962) es una de las películas de mi infancia de las que mejor recuerdo tenía,  siendo además clave no solo en el desarrollo de mi pasión por el cine sino también en mi afición al género fantástico en cualquiera de sus manifestaciones, una impronta acentuada por la adaptación del film, combinando los formatos de novela e historieta, publicada por Bruguera en 1967 (reedición de una anterior) en la colección Historias Selección. De ahí que al volver a verla hace unos días, muchas años después de repetidos visionados y lecturas infantiles, tenía mis miedos a encontrarme con algo solo justificado por el poder de una agradecida nostalgia… 

Enrique del Teso en el diario Nortes 18-4-2026: "Amos de la IA, simulación de libre albedrío y la receta clásica"

 

Citas del artículo de Enrique del Teso en el periódico Nortes, 18-4-2026

"La IA tiene amos y la IA puede pensar como los amos quieran. Y estamos diseñados para asentir a sus decisiones y creer que nosotros tomamos la decisión."

"Si tienes a mano una calculadora, no te molestas en hacer las divisiones, pero tú controlas la tarea, la calculadora es solo un pinche. Cuando usas una IA, crees que estás haciendo una descarga a mayor escala, y en realidad estás cediendo el control y objetivos de la tarea a un sistema externo, automatizado, guiado por terabytes de datos y dinámico. Y con amos."

"Hair" Original Cast: AQUARIUS / LET THE SUNSHINE IN

  Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Se ha criticado a Ed Sullivan por su conservadurismo ideológico y por su personalidad en escena, acartonada, cuadriculada y aparentemente falta de carisma... pero siendo justos, ya sea por razones comerciales, o por intuición o sencillamente por estar en el momento justo en el lugar adecuado, su programa propagó la música y las ideas de los años sesenta, apoyó sin reservas a nuevos talentos como Elvis o los Beatles, y se atrevió a dar voz a los artistas de color cuando la segregación y la lucha por los derechos civiles estaban aún en auge, llegando a oponerse a patrocinadores de su programa a los que no les gustaba el contenido del mismo. Por supuesto, ese conservadurismo puso ciertas limitaciones a las apariciones de esos nuevos artistas... a Elvis no se le filmó de cintura para abajo, no permitía mensajes implícitamente sexuales o políticos en ellas (lo cual le llevó a un famoso enfrentamiento con Jim Morrison y The Doors)... pero esto no debe ser obstáculo para reconocer y agradecerle lo que hizo por la expansión de las nuevas ideas.

Una peli al día (2026-04-17): SER O NO SER (Ernst Lubitsch, 1942) 10/10

Pues resulta que un día un director estadounidense nacido en Alemania decidió hacer una película satirizando la invasión nazi de Polonia. Y como quien no quiere la cosa, hizo la comedia perfecta. Y no solo es que tomara los elementos de la comedia y los sublimara, es que revolucionó el género, lo puso patas arriba. Mezcló ideas de otros géneros y la hizo vibrante y fresca. Usó la risa no como elemento escapista, sino como la más dura de las críticas. Tomó una situación dramática, y al satirizarla, fue capaz de hacerla aún más dramática, por mucho que algunos dijeran que la frivolizó; estos últimos no la entendieron, o no la quisieron entender. Todo esto y mucho más se puede decir de una de las películas esenciales en la historia del cine, “Ser o no ser” (To Be or Not to Be, Ernst Lubitsch, 1942).

La clave no solo está en los ingeniosos y descacharrantes diálogos, o en la crítica satírica al nazismo. Lubitsch fue mucho más allá de esto y compuso una macedonia de diferentes elementos, desde el thriller de espionaje hasta el género bélico pasando por el melodrama y lo impregnó todo de comedia, siendo uno de sus muchos méritos evitar la tentación de la parodia. No hay ninguna reconstrucción humorística de los hechos que haga de estos una fantasía: lo narrado es real, terroríficamente real y tratado con absoluta seriedad. No son unos hechos históricos vistos con unas lentes cómicas… la comedia está ya en los propios hechos, porque incluso hasta en la situación más trágica puede haber un elemento que haga reír.

The Ramones: SHEENA IS A PUNK ROCKER

 Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

 Esta semana cumplimos 25 años sin Joey Ramone…

 

Una peli al día (2026-04-16): BUENA SUERTE, PÁSALO BIEN, NO MUERAS (Gore Verbinski, 2025) 6/10

All images in the post © Constantin Film LA, 3 Arts Entertainment, Blind Wink Productions, and WAM Films

Tengo que admitir que, aún teniendo casi todo para que me guste, y de hecho para nada me aburre, no acabo de conectar del todo con “Buena suerte, pásalo bien, no mueras” (Good Luck, Have Fun, Don’t Die, Gore Verbinski, 2025). Me confunde su ritmo contradictorio, me aleja su acción caótica, no le encuentro la gracia a un humor que se presupone ácido o punzante. Tengo la impresión de que en su empeño por combinar la crítica  social y mensaje de advertencia típicos de la ciencia ficción con el trasfondo cafre, surrealista e irrespetuoso de, por ejemplo, “Todo a la vez en todas partes”, no acaba de encontrar su punto medio que me la haga plenamente atractiva. 

Siendo justo, debo decir que no me aburrió… pero no exactamente por un interés concreto en lo que pueda pasar durante la trama, que me parece rutinaria o porque esté de acuerdo con su denuncia de los riesgos de la inteligencia artificial, que me parece demasiado obvia. No, me mantuve pegado a la pantalla porque los flashbacks sobre los personajes que salpican la narración, aparte de dotarla de una estructura saltarina que siempre me atrae en un film, encierran los mejores momentos de la película con sus desasosegantes relatos cortos de ciencia ficción que ahondan en el pasado de algunos de los protagonistas.

David Byrne: LIFE DURING WARTIME

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Al sonido de la artillería en la distancia 
ya me he acostumbrado.
He vivido en un edificio rojizo, he vivido en el ghetto, 
he vivido por todas partes en esta ciudad.

David Byrne recupera esta canción de Fear of Music, el tercer álbum (1979) Talking Heads, de manera brillante. Lo triste, como pasa con las canciones con esta temática, es que sea aún vigente. Y lo que nos queda.

 

Una peli al día (2026-04-15): TARAS BULBA (J. Lee Thompson, 1962) 6/10

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La primera mitad de los años sesenta fue muy pródiga en películas épicas que mezclaban la aventura, la historia, el género bélico, y en algunos casos también el romance… un tipo de films que poco a poco caía ya en su decadencia y que aún así ofreció una obra maestra indiscutible  como “Lawrence de Arabia”, otras excelentes como “Doctor Zhivago”, “55 días en Pekín”, “Cleopatra” o “El Cid” y  otras estimables como “La caída del Imperio Romano”, “Zulú” o “Khartum”… y alguna más que sin duda se me escapa.

Hubo por supuesto también películas en este estilo a las que solo la nostalgia, como mucho, redime, y alguna obra interesante pero fallida. A este grupo pertenece “Taras Bulba” (J. Lee Thompson, 1962), adaptación de la excelente novela corta del escritor ruso Nikolai Gogol. No es ni mucho menos la primera traslación al cine del relato, pero sí la primera dentro del canon hollywoodiense del cine de gran espectáculo. Y la verdad es que hay que decir que como adaptación se queda corta, y como espectáculo, a pesar de todas las buenas intenciones puestas en ella, funciona solo a ratos.

Clannad: TÉIR ABHAILE RIÚ

  Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

 Hay dos etapas en la carrera del grupo irlandés Clannad. Una, desde sus comienzos a principios de los años setenta, en los que estaban influenciados por el folk irlandés más tradicional, y otra, a partir de los años ochenta, en la que se acercaron más a los estilos llamados música céltica y new age.

Esta última etapa es la más popular del grupo, con canciones como el tema que hicieron en 1982 para la serie "Harry's Game", o I Will Find You, para la película de 1992 "El último mohicano". Pero, aún gustándome esta etapa de su trayectoria, prefiero con mucho la inicial, más afín a mis gustos... 

Por eso subo hoy aquí su versión de 1974 de la canción tradicional gaélica Téir Abhaile Riú (Vete ya a casa) como homenaje a la cantante y arpista del grupo Moya Brennan (nacida como Máire Philomena Ní Bhraonáin, y también conocida como Máire Brennan), fallecida hace un par de días. Que la tierra le sea leve.

 

Una peli al día (2026-04-14): A.I. INTELIGENCIA ARTIFICIAL (Steven Spielberg, 2001) 8/10

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 No sabría decir si “A.I. Inteligencia Artificial” (A.I. Artificial Intelligence, Steven Spielberg, 2001) es una película mayormente vilipendiada por público y crítica, pero sí que me atrevo a decir que es una de las películas más incomprendidas e infravaloradas ya no solo de su celebrado director, sino también, de todo el cine estrenado en el siglo XXI. Por algunos problemas de ritmo no la considero una obra maestra (aunque sí podría afirmar que la primera mitad está entre lo mejor de Spielberg y lo mejor de este siglo), pero en conjunto es un film excelente tanto a nivel técnico como temático, mucho mejor que lo que la mayoría de la gente opina de él.

Entre las controversias en las que “A.I.” anda envuelta, entre ellas el ser acusada de un supuesto exagerado sentimentalismo, la mayor es el debate, casi el juego, sobre cuánto hay de Spielberg en el film y cuánto hay de su inspirador Stanley Kubrick. Los dos cineastas se conocieron en 1979 en Inglaterra, cuando Steven empezaba la preproducción de “En busca del arca perdida” en los estudios londinenses en los que Stanley estaba rodando “El resplandor”. De ese encuentro surgió una amistad más basada en comunicación a distancia, por teléfono y cartas, que presencial. En 1985 Kubrick le pidió consejo sobre un proyecto que estaba desarrollando, un film sobre los avances de la inteligencia artificial, con una sociedad futura en la que habría robots al servicio de las necesidades humanas. El director neoyorquino llevaba en ese proyecto desde 1982, habiendo comprado los derechos del relato corto de Brain Aldiss “Los superjuguetes duran todo el verano”. 

The Proclaimers (feat. Doctor Who cast and crew): I'M GONNA BE (500 MILES)

 Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Ayer, en el entrañable acto de despedida a Ian Watson terminamos cantando esta canción vitalista y optimista, como era él.

Como siempre es un placer escucharla, la subo por aquí de nuevo, pero me permito hacerlo en esta versión maravillosamente buenrrollista que cantaron en playback el reparto y equipo técnico de la serie "Doctor Who" para celebrar el término de la etapa con David Tennant de protagonista. 

Porque siempre nos hace falta esta vitalidad y optimismo... 

 

 

Una peli al día (2026-04-13): TEMPESTAD DE ALMAS (Marcel Pagnol, 1940) 8/10

Toutes images dans cet post © Succession Marcel Pagnol

 “Tempestad de almas” (La fille du puisatier, Marcel Pagnol, 1940) es uno de esos pequeños grandes milagros que se esconden en la historia del Cine y que descubres cuando sigues la linea de puntos del mapa cinéfago que lleva al tesoro… Empezada  en Mayo de 1940, en las postrimerías de la invasión nazi de Francia, y terminada pocos meses después de la rendición y el establecimiento del gobierno de Vichy, es un film tremendamente enraizado en esos convulsos tiempos que logra que el escenario bélico quede en el trasfondo para centrarse en una descripción de la Francia rural de aquellos años, un mundo dominado por los hombres, decidiendo el destino de las mujeres y rechazando a aquellas que no encajan en él… pero que, a pesar de la aparente conformidad con que se acepta, es descrito con una vis satírica que apenas oculta una fuerte crítica al mismo.

Marcel Pagnol es admirado como un escritor (novelista y dramaturgo) y cineasta cuyas historias en cualquier medio estaban fuertemente basadas en unos textos de talante muy humanista pero a la vez muy realista, lo cual le permitía moverse con plena libertad entre las visiones de los diferentes temas que trató. La película que me ocupa hoy tiene un guion muy dialogado, con pocas escenas descriptivas y una realización basada esencialmente en primeros planos fijos de los personajes hablando, algo que da a veces a la peli un tono bastante mecánico y poco variado… pero el poder de los textos es tal que acabamos soslayándolo. De hecho, esta versión de 1940 fue novelada por el propio Pagnol al año siguiente, algo que al parecer el autor solía hacer con la mayoría de sus films,

Los Lobos: VIENTOS DEL PUEBLO

Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

A comienzos de los años setenta, en pleno auge de la música folk española con grupos como Aguaviva, Nuestro Pequeño Mundo o Nuevo Mester de Juglaría, unos cuantos estudiantes de la Complutense de Madrid forman un grupo en principio llamado Antares con el que empiezan a actuar en directo en el circuito de colegios mayores, como tantos otros grupos de la época.

Pero un día conocieron al músico argentino Sergio Aschero, miembro del dúo Los Juglares, que componía versiones musicales de poemas y les empezó a surtir de repertorio. El grupo pasó a llamarse Los Lobos, y empezó a ganar popularidad. Descubiertos por casualidad por el productor de CBS Rafeel Pérez Botija, grabarían en 1972 su primer álbum, "Vientos del pueblo", que incluía, entre otras canciones, versiones de poemas de Miguel Hernández, Rafael Alberti y Nicolás Guillén con musica de Aschero, el miembro del grupo Antonio Gómez y un aún desconocido Alberto Pérez (sí, sí, el de "La Mandrágora").

Una peli al día (2026-04-12): BAHÍA NEGRA (Anthony Mann, 1953) 6/10

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“Bahía negra” (Thunder Bay, Anthony Mann, 1953) es una película poco estimada y casi olvidada en la trayectoria de su justamente celebrado director… y tras verla ayer por primera vez, entiendo perfectamente que sea poco estimada y casi olvidada. Ni siquiera voy a entra en un enésimo debate sobre el término “obra menor” porque es una película bastante mediocre, incluso difícilmente asumible hoy en día por su temática, aunque, nobleza obliga, admitiré que tiene detalles del talento de Mann desperdigados por su metraje.

Es la cuarta de las ocho películas del binomio Anthony Mann-James Stewart, y la primera de las tres que, al menos en principio, no es un western, siendo las otras dos “Música y lágrimas” y “Acorazados del aire”. Digo que esta “Bahía negra” no es en principio un western porque es más bien una película de aventuras centrada en la lucha entre el supuesto progreso y la forma de vida tradicional, pero… uno no deja de ver tras ese conflicto la esencia de muchos westerns.

A mediados del siglo XX llegan a un pueblecito pesquero de Louisiana dos ingenieros arruinados pero llenos de ideas, Steve Martin (James Stewart) y Johnny Bambi (Dan Duryea), con la intención de convencer al millonario Kermit MacDonald (Jay C. Flippen) de que invierta dinero en su proyecto de construir una plataforma petrolífera en la zona del Golfo de México frente al pueblo, en cuyo fondo están convencidos de que hay una gran bolsa del preciado combustible. Para ello, tendrán que enfrentarse a las dudas de los accionistas de la compañía de MacDonald, pero sobre todo a la oposición de los pescadores del área, que temen que el proyecto afectará irremediablemente a su forma de ganarse la vida… 

Garth Brooks: STANDING OUTSIDE THE FIRE

                    Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Llámamos débiles 
a quienes son incapaces de resistir
la más mínima oportunidad de que el amor exista 
y abandonarlo todo por ello 

 

Están empeñados en dar, caminando sobre el alambre, 
convencidos de que no hay vida si te apartas del fuego. 

 

Si te apartas del fuego, 
si te apartas del fuego, 
no pruebas la vida, solo la sobrevives  

si te apartas del fuego.

 

Una peli al día (2026-04-11): EL ÚLTIMO VALLE (James Clavell, 1971) 7/10

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“El último valle” (The Last Valley, James Clavell, 1971) es una curiosa película amalgama de temáticas y géneros variados (aventuras, histórica, bélica, filosofía y religión) que, dentro de su irregularidad, esconde una trama muy interesante y resulta, a la larga, digna de verse. Reúne además una serie de singularidades que la hacen especial. Para empezar, es la última película dirigida por James Clavell, guionista de películas de tanto fuste como “La mosca” o “La gran evasión”, por ejemplo, que luego como director hizo “Rebelión en las aulas”, y que más tarde llegó al éxito como escritor de best-sellers del calibre de “Shogun”, que a su vez ha conocido dos exitosas adaptaciones televisivas. Fue también la última película rodada en el otrora popular sistema panorámico Todd-AO 70mm (solo recuperado para un documental veinte años después). Finalmente, es uno de los pocos films sobre la Guerra de los Treinta Años, el conflicto religioso que asoló Europa, en especial la Europa central, en el siglo XVII.

Clavell adaptó la novela de igual título escrita por J.B. Pick, que exigió un alto presupuesto para cubrir, entre otras cosas, el rodaje en escenarios naturales en el Tirol. Es, por tanto, una película básicamente de exteriores, bellamente fotografiados por John Wilcox. Aunque fue un relativo éxito de público en el Reino Unido, fracasó en el resto del mundo y no llegó a cubrir gastos, y al parecer fue además mal recibida por ciertos sectores religiosos por considerarla blasfema. Lo que sí es muy cierto es que Michael Caine mostró en su autobiografía su decepción por la mala recepción de la película entre el público y la crítica, siendo un trabajo del que estaba particularmente orgulloso.

Enrique del Teso en el diario Nortes 11-4-2026: "Hipocresías que anuncian muerte, franquezas que son muerte"

 

Citas del artículo de Enrique del Teso en el periódico Nortes, 4-4-2026

 

"El hipócrita finge una moralidad que no tiene y respeto a unas normas que no cumple. El hipócrita oculta. En la vida corriente no necesitamos preocuparnos por aquello que oculta, allá él o ella. Pero en política lo que el hipócrita oculta es algo que quiere hacer y eso sí debe incumbirnos. En setiembre Trump emitió un memorando titulado «Lucha contra el terrorismo interno y la violencia política organizada». (...) El supuesto problema terrorista viene de ideologías anticapitalistas y antifascistas de extrema izquierda y de actitudes hostiles a «los puntos de vista estadounidenses sobre la familia, la religión y la moralidad». En realidad, la violencia organizada interna de EEUU está ligada, según la policía, a grupos supremacistas blancos de distintos pelajes, los que parodia la celebrada película Una batalla tras otra. El memorando rezuma hipocresía. Toda hipocresía oculta y lo que oculta esta es la persecución, política pero también física, de la izquierda."

Gato Pérez: LA CURVA DEL MORROT

                   Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

 Ayer once de abril abría cumplido setenta y cinco años Gato Pérez, ese músico tan rumbero como callejero, el barcelonés más argentino o el argentino más barcelonés, a escoger, (y de raíces asturianas por parte de padre, que todo hay que decirlo homebueno) que tan pronto, tan demasiado pronto nos dejó, aunque al menos tuviera tiempo de dejarnos un buen pedazo de canciones maravillosas...

Una peli al día (2026-04-10): NIXON (Oliver Stone, 1995) 8/10

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Cuando en su momento se estrenó “Nixon” (Oliver Stone, 1995), hubo un aluvión de críticas a su falta de verosimilitud histórica y hasta acusaciones de intento de blanqueo de la figura de uno de los políticos más deplorables del siglo XX… y debo reconocer que cuando la vi en su estreno, a pesar de disfrutar del trabajo directorial de un Oliver Stone a quien de aquella tenía en un pedestal por “Platoon”, “Wall Street” o, sobre todo, “JFK”, yo me dejé llevar por los mismos prejuicios. No me disgustó entonces la película, pero salí de mal humor del cine por el retrato del presidente que había visto en el film. O por el retrato que creí ver.

Así que ayer, poco más de treinta años después, e influenciado por mi revisión de “Todos los hombres del presidente” el día antes, me animo a volver a ver el film de Stone… y me quedo de piedra, porque me encuentro con otra película, no la que recordaba haber visto. Me encuentro con una película que toma el personaje histórico pero no hace un biopic al uso. Lo que veo ayer es un portentoso drama de tintes shakespearianos sobre un Nixon al que retrata como un remedo del ciudadano Charles Foster Kane que, al revés de este referente, sí llega a la presidencia de los Estados Unidos, pero que creyendo que es él quien manejaba los hilos del teatro de marionetas de la política acaba, por culpa de su ambición desmedida y su falta de escrúpulos, siendo una marioneta más devorada por el sistema al que pretendió subyugar a su ego y codicia. Hace treinta años fui muy injusto con esta película, que hoy creo que, eso sí, sin llegar a la excelencia de “Platoon” o, sobre todo, “JFK”, es un film magnífico.

Jethro Tull: NO LULLABY

                  Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Un buen día Ian Anderson debió pensar que igual era una buena idea componer una canción de cuna... pero siendo como es, no iba a ser una canción de cuna convencional, no.

Una peli al día (2026-04-09): TODOS LOS HOMBRES DEL PRESIDENTE (Alan J. Pakula, 1976) 9/10

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Esta semana se han cumplido cincuenta años del estreno de “Todos los hombres del presidente” (All the President’s Men, Alan J. Pakula, 1976), y me ha parecido una buena excusa para hacer mi enésimo visionado de una película que desde la primera vez que la vi me fascinó y maravilló… y que a día de hoy puedo confirmar que no ha perdido un ápice de la fuerza y frescura que tenía hace cinco décadas. El film de Pakula y Redford sigue siendo un monumento del cine, una de las mejores películas sobre periodismo, si no la mejor.

Edwin Starr: WAR

                 Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

¡Guerra!
¿Para qué sirve?
Para absolutamente nada.

 

Una peli al día (2026-04-08): EL MÁS ALLÁ (Masaki Kobayashi, 1964) 9/10

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 “El más allá” (Kwaidan, Masaki Kobayashi, 1964) es una película hermosísima, subyugante, inmersiva y tremendamente adictiva, uno de esas raros filmes en episodios que una vez terminado su visionado vemos como un todo conjunto y no como una mera suma de historias diferentes sin apenas relación entre ellas. Es una película de fantasmas, que no de terror: Kobayashi odiaba que se adscribiera su peli a este género, y tenía toda la razón. Porque más allá de que aporte la tensión y angustia propias del mismo, no es su objetivo emocionar a base de sustos y horrores. Estamos ante un film que tiene más la atmósfera de la fantasía pura y el cuento de hadas, donde se nos presenta mundo real en el que lo sobrenatural está plenamente integrado y asumido y está lejos de ser un intruso.

Es el primer film en color del director japonés, y también el primero en el que no hay alusiones críticas al presente. Tardó un año en terminarlo y precisó de un alto presupuesto porque quería tener tal control sobre el aspecto visual, que al no conseguirlo mediante la filmación en exteriores, acabó por rodarlo en inmensos decorados. Su intención de presentar un mundo de ensueño queda reforzada con una fotografía, a cargo de Yoshio Miyajima, con un variado colorido pero muy matizado y en ocasiones hasta deliberadamente tenue y borroso. La disonante y viva música de Toru Takemitsu contribuye también a destacar esta convivencia del mundo real y el sobrenatural. Y lo que más confirma que quedamos abducidos por la película es que su larguísimo metraje, tres horas, y su pausado ritmo nunca se nos hace cansino… y que a su fin quedamos quietos, reflexionando sobre la maravilla que hemos visto y se nos ha contado.

Daisy Jones & The Six: LOOK AT US NOW (HONEYCOMB)

                Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

 Recupero esta bonita canción de "Daisy Jones & The Six", la serie de 2023 que cuenta la efímera y exitosa carrera de un ficticio grupo de rock de los años setenta claramente inspirado en Fleetwood Mac. La serie en general está bien, a ratos muy bien, pero lo mejor de ella es su banda sonora, que evoca perfectamente la música hecha aquellos años. Esta "Look at Us Now (Honeycomb)" es un buen ejemplo.

 

  

Una peli al día (2026-04-07): HURACÁN (John M. Stahl, 1939) 6/10

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Vamos con otro melodrama clásico de la era dorada hollywoodiense, “Huracán” (When Tomorrow Comes, John M. Stahl, 1939), a cargo de uno de los directores que, sin estar considerado en la actualidad precisamente entre los más brillantes del género, sí que se le puede considerar uno de los que lo apuntaló, ejerciendo posteriormente una gran influencia en cineastas de pedigrí como Douglas Sirk, que de hecho llegó a realizar remakes de tres de sus películas. 

Efectivamente, a pesar de la fama que le acompañó en su momento, el estadounidense de origen ruso John M. Stahl no goza de gran prestigio sobre todo cuando es comparado con otros colegas que definieron el drama como genero cinematográfico, incluyendo el mencionado e icónico Sirk, King Vidor, o el contemporáneo Todd Haynes, entre muchos otros… y es injusto porque Stahl, aún admitiendo que su trayectoria no incluye tantas películas transcendentales como las de estos, sí que es un cineasta muy regular, que muy raramente ofreció una película mediocre, y cuyo uso de los planos largos, protagonismo femenino, y de un estilo naturalista que no entorpece la narración claramente influyó en todos ellos. Y por si fuera poco, sí que hizo filmes de gran calidad, como “La usurpadora” e “Imitación de la vida” en los años treinta, o en los años cuarenta “Las llaves del reino” o la que se puede considerar su mejor película, el melodrama noir “Que el cielo la juzgue”.

Billie Holiday & The Count Basie Sextet: NOW, BABY, OR NEVER

               Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

 Sobre el jazz siempre acudo al tópico: no entiendo mucho, pero sé lo que me gusta. Y esto es j*didamente bueno... 

El clip viene de un cortometraje de 1950 con cinco temas interpretados por Billie, The Count Basie Sextet y Sugar 'Chile' Robinson. Billie y el grupo de Basie interpretan juntos este Now, Baby or Never, tema con música de la propia Billie y letra de Curtis Reginald Lewis, y "God Bless the Child.

Ayer fue el 111 aniversario del nacimiento de Billie Holiday. Escuchar esta canción es buena manera de celebrarlo. 

 

Una peli al día (2026-04-06): PROYECTO SALVACIÓN (Phil Lord y Christopher Miller, 2026) 7/10

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“Proyecto Salvación” (Project Hail Mary, Phil Lord y Christopher Miller, 2026) es una película diseñada desde el primer hasta el último minuto para gustar. Y aquí habrá quien me diga, con razón, que menuda tontería, todas las películas están hechas para gustar a más o menos gente, vía el sentimentalismo y el drama, o la denuncia, o la risa, o la aventura, o la fantasía. Y tienen razón. Pero hay películas que se ven, más bien se sienten, como productos prefabricados o como una receta gastronómica donde cada ingrediente está estudiado, situado y cocinado en lo que se espera sea su punto perfecto. Son filmes enfocados a un público muy concreto al que hay que agradar. Corresponde a los cineastas hacer el juego de manos que oculte los trucos, y quien no los vea disfrutará de la peli y quien los vea acabará hastiado y empalagado de ella.

Porque ese es otro riesgo de las pelis diseñadas para agradar. Por un lado tendrán su culto de devotos que difícilmente comprenderán que haya gente a la que no les haya gustado (y en estos tiempos de anonimato cibernético, algún fanático habrá que no admita discrepancia alguna)… pero por otro habrá quien vaya al otro extremo y las odie profundamente por ese diseño prefabricado, ignorando las bondades cinematográficas que pueda tener.

Joni Mitchell (con Roger McGuinn y Bob Dylan): COYOTE

              Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Cuando hay conjunción de astros en el firmamento solo puede haber maravilla... 

Nada que reprcharse, Coyote

 

Sencillamente, venimos de circunstancias diferentes.
Yo me paso la noche en los estudios
y tu madrugas en tu rancho.
Tú cepillas la cola de una yegua
mientras se alza el sol 
y yo estaré yendo a casa con mi magnetófono.
No puede entenderse 

lo cerca qué puedes llegar a estar  

de los huesos y la piel y los ojos y los labios
y aún así sentirse tan solos
y aún así sentirse tan conectados
como postes de un telégrafo.
No eres un conductor huyendo de un atropello, no, no, 
escapando.

Solo recogiste a una autostopista, 

una prisionera de las líneas blancas sobre la carretera.

 

 

Una peli al día (2026-04-05): REY DE REYES (Nicholas Ray, 1961) 7/10

Primera de las grandes superproducciones rodadas por el productor Samuel Bronston en España, “Rey de reyes” (King of Kings, Nicholas Ray, 1961) es posiblemente la que mejor sabe combinar una historia con un potente elemento intimista, psicológico y social con la espectacularidad visual afín a este tipo de películas. Esto no quiere decir que sea necesariamente la mejor de todas ellas, sin embargo, pero sí que es la que tiene unos componentes más originales.

Es difícil decir si esto se debe a la aportación de su prestigioso director, además, teniendo en cuenta que este entró en el proyecto, que en principio iba a ser dirigido por John Farrow, cuando ya estaba en marcha. Como tantas otras películas en la historia del cine norteamericano, “Rey de reyes” es un film más de productor que de director, en un tipo de cine que estaba ya en sus últimos estertores (siendo Bronston quizá uno de los últimos grandes productores al estilo clásico) y aunque la presencia de Nicholas Ray invite a la tentación de ver elementos autorales en la película, esta no deja de ser un producto a gran escala.

Johnny Cash y June Carter: JACKSON

             Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Pues resulta que el bueno de Johnny, como el matrimonio ya no tiene el fuego de antes, piensa irse de picos pardos a Jackson para recuperarlo... pero June le pone bien claros los puntos sobre las íes... 

 

Una peli al día (2026-04-04): LOS VIAJEROS DEL TIEMPO (I.B. Melchior) 5/10

 “Los viajeros del tiempo” (The Time Travelers, I.B. Melchior, 1964) es una muestra palpable de lo mejor y lo peor que podía ofrecer la ciencia-ficción de serie B en los años sesenta. Por un lado está un argumento interesante que da pie a reflexiones filosóficas y que intenta burlar como buenamente puede las limitaciones presupuestarias, y por otro una realización bastante pedestre con interpretaciones acartonadas y un desarrollo del guion a ratos moroso y cansino… 

Con todo, no se le puede negar encanto de eso que se llamaba “camp” a esta película que combina ideas de El tiempo en sus manos o Cuando los mundos chocan, mezcla géneros (ciencia-ficción, terror, comedia) sin rubor, se atreve a experimentar con bucles temporales y rupturas de la cuarta pared y, reforzando ese efecto “camp”, muestra una fotografía en el añejo Pathécolor inventado por el pionero español Segundo de Chomón, y que supuso la segunda película del prestigioso cinematógrafo Vilmos Zsigmond, que más tarde maravillaría con sus trabajos en “Encuentros en la Tercera Fase” o “El cazador”, entre muchas otras.

Presentación de libros: "Darkness on the Edge of Town: Springsteen en el corazón de la tormenta" y "Autorruta del Sur", de Julio Valdeón

Ayer en el Toma 3 de Xixón, deliciosa presentación de los libros "Darkness on the Edge of Town: Springsteen en el corazón de la tormenta" y "Autorruta del Sur", de Julio Valdeón, el primero un análisis de la creación de uno de los mejores álbumes del Boss y el segundo una descripción del viaje que hicieron el autor del libro y su pareja por la Ruta 61 estadounidense, pasando por algunos de los lugares emblemáticos del blues, el rock, el country y el soul. 

 

Por tanto, se habló mucho de esa música tan norteamericana que hemos hecho tan nuestra. Como digo, una delicia de presentación. 

Manolo Tena: QUIERO BEBER Y NO OLVIDAR

            Buenos días. ¡Vaaaamoooossss!  

Siempre quiero hacerle trampas a la muerte, 
quiero sentir la primavera en septiembre.
Quiero beber y no olvidar, 
quiero ser feliz y ya nunca llorar.

Quiero ser mar, solo consigo espuma, 
quiero avanzar, solo consigo espuma.
Sin ti no puedo, ¿por qué no me ayudas?
Todo se vuelve dudas

10 años sin Manolo Tena... 

 

Una peli al día (2026-04-03): EL HOMBRE DE LA TIERRA (Richard Schenkman, 2007) 7/10

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  “El hombre de la Tierra” (Jerome Bixby’s The Man From Earth, Richard Schenkman, 2007) es otra de esas películas de culto, en este caso forjado contra viento y marea, basado en un boca a boca de fans admirado por la sencillez de su propuesta, un film de ciencia-ficción sin efectos especiales ni diseño de producción apabullante en el que la fuerza de la historia reside en una narración estrictamente dialogada y las reflexiones filosóficas, sociales y religiosas a las que lleva, el uso de un solo escenario, el trabajo convincente de su reparto y una simple y efectiva labor directorial que consigue que el minimalismo no resulte monótono ni aburrido.

La trama, escrita por el prestigioso autor y guionista especializado en ciencia-ficción Jerome Bixby, tiene el enorme mérito de que ni la sencillez de su planteamiento ni lo absurdo de su punto de partida caigan en el ridículo al obligarnos como espectadores a participar de las especulaciones y sentimientos que producen las revelaciones planteadas por el protagonista. Es un film que tarde o temprano acaba fascinando por su poder de evocación y su énfasis en la fuerza que conlleva contar una historia…